Академическое образование, старая живопись и современные арты

размещено в: Статьи | 0

• Искусство — для избранных?
• В академиях преподают академизм?
• Чёрный использовать нельзя?
• А цвета из банки?
• Что общего у аниме и салонной живописи?

Была недавно в своей альма-матер на выставке, посвященной станковой живописи, реставрации и книжной графики. Поняла ещё кое-что для себя, и решила написать все свои мысли с небольшим криком души.
Если вы когда-нибудь учились в художественных заведениях, это будет жизненно.
Ну а кто не учился – узнаете новое)

Искусство не для всех | Почти всё искусство – коммерция

Честно говоря, многие /почти все/ работы в Академии наводят нереальную тоску. Они либо хорошо сделаны, но абсолютно не привлекают, либо сделаны плохо и тоже не привлекают.

Особенно меня поражает в плохом смысле живопись. Смотришь на выставку – а там всё одинаково грязно-коричнево-серое. Сейчас это стало нормой в академической среде настолько, что учителя начали бояться чистых ярких цветов.
Но это абсолютно не норма! Живопись никогда не была такой!

Пока я рисовала иллюстрацию с Мэй, я поняла, что классическая живопись, которую все представляют себе, говоря слово «живопись», в современном мире перекочевала в иллюстрации с геймдеве (game development – разработка игр). Промо-иллюстрации в каком-нибудь Blizzard – это и есть та самая живопись (то, какой она должна быть), только на современный лад.
Фактически не изменилось ничего, кроме стилизации и техники.


Моя иллюстрация с Мэй (мой старый персонаж)

Я также поняла, что почти вся живопись, которая была, – коммерческая, такая же, какая она сейчас у художников, продающих свои арты или рисующих для студий и зарабатывающих на этом.

Давайте глянем на две работы, старую и современную, и посмотрим, чем они похожи:

 

На самом деле, многим:

  1. Максимальный реализм
    Как бы странно это ни звучало, но в аниме, околоанимешных и семи-реализм стилях тоже присутствует «максимальный реализм», в частности, в телах. Если мы посмотрим на персонажей Disney или Pixar, то заметим, что там, например, такого нет: все формы стилизованы и утрированны.
    Реалистичное изображение более понятно большему количеству людей, чем стилизованное, поэтому в коммерческих продуктах используется нечто приближённое к нему.
  2. Стилизация
    При максимальном реализме присутствует стилизация. Посмотрите на Флору и на живых людей вокруг: вы вряд ли найдёте девушек с такими округлыми плечами, тонкими бровями, абсолютно прямой перегородкой носа и такой грудью. И в такой позе с цветами тоже никто не сидит. Это — стилизация.
    При чём стилизация не какая-нибудь, а определённая, и допускается только до понятной аудитории своего времени степени.
    Но и у такой стилизации есть общие черты: и в те времена, и сейчас, художники «сглаживают» недостатки лица и тела и подгоняют их под определенные пропорции, которые считаются красивыми и модными (понятными, привычными) для своего времени.

Просто раньше, до появления фотоаппаратов, людей занимало как можно более точное изображение себя и мира вокруг. С появлением же фотографий, достигнув потолка в реализме, искусство немного свернуло в сторону стилизации.
В общем, если бы Лига Легенд вышла в 16м веке, то Люкс выглядела бы примерно как Флора.

  1. Очень высокий уровень исполнения
    Посмотрите, как точно художники передают материалы, атмосферу, объём и т.д. Свет, тень, рефлекс, перспектива, рисунок — всё на очень высоком уровне.
  2. Большая степень проработки
    При всё той же стилизации много мелких деталей, присутствует аккуратность, «красивость», почти не видно мазков.
    Сравните фрагменты обеих работ: блики, узоры, цветочки, детальки — всё прописано.

 

И это тоже не случайность: людям нравятся детальки, когда всё прописано, есть и пуговки, и шовчики, и прядки волос.

  1. Яркость, сочность, привлекательность
    Да, на старых работах яркость и сочность местами исчезла из-за потемневшего лака, а где-то художники просто не могли достать такие яркие пигменты.
    Но даже так работы смотрятся очень насыщенно!
    Ну и конечно, фото таких картин действительно не сравнить с их оригиналами — в реальности на холсте они действительно завораживают чистотой красок и смотрятся в десять раз круче.
    Яркие, чистые цвета привлекают людей, и живопись, которая была, как мы уже понимаем, коммерческой, широко эти цвета использовала.
    Разумеется, не всегда и не везде: в работах могут быть разные задачи, но тем не менее.

Итого, хорошо видно, что обе работы преследуют вполне «обычные» цели: красивость, понятность широкой аудитории, попытка представить вымышленных персонажей в реальности: раньше это были картины с реалистичными богами (например, Святыми или древнегреческими богами) — теперь это попытки нарисовать аниме-персонажей в реализме.

Это именно то, что нравится и понятно широкой аудитории, а следовательно, продаётся.

То есть живопись делалась для широкой аудитории.

Почти все известные старые мастера, которых мы знаем, — не какие-то утончённые мыслители, вкушающие святой дух и творящие искусство во имя искусства. Правда в том, что почти все они были известными и хорошо продаваемыми художниками своего времени. Ну, как если бы сейчас у них было много подписчиков ВКонтакте.
Они продавали свои работы в галереях, писали на заказ портреты, а некоторые даже работали при королевском дворе — а мы сейчас продаём арты с любимыми персонажами людей в соцсетях или выполняем заказы для студий.

Тех, кто не смог попасть в галереи и стать востребованным для своего времени, мы просто не знаем.

А теперь давайте поговорим о том, как следование искажённым со временем правилам академизма, которые сейчас можно услышать на каждом шагу в художественных заведениях, никогда не приведёт вас к такому же результату.

 

 

Обучение в Академии

Я училась в художественном училище и академии, и с каждым годом всё больше поражалась, чему и как нас там учат. Иногда это просто сюр.

Мы пытаемся написать работу а-ля 18й век, но при этом от студентов требуют техники а-ля импрессионисты, хотя работы в то время писались лессировками (про которые, к слову вообще ничего не объясняют).
С картин маслом на холсте в технике лессировок мы делаем копию жирными мазками гуашью по грунтованному картону. С заданием «сделайте так же».

И, конечно, в академиях дают замечательные советы: «нельзя использовать черный», «нельзя брать чистые цвета из банки», «не делай так ярко», «добавляй побольше оттенков! Что красным как забор закрасила?».

Я просто хочу показать вам ряд классических работ, чтобы вы поняли, насколько это странные советы:

1) «Это не просто красный и бирюзовый, там есть и зелёный, и фиолетовый, и голубой, видишь?»

 

2) «Чёрный использовать нельзя. И добавь побольше влияний на лицо»


Карл IX, Шарль-Максимильен (Франсуа Клуэ)

 

3) «Это не кадмий из банки. И ультрамарин тоже не из банки. Это сложные цвета. И фон не чёрный»


Цветы в вазе (Ян Давидс де Хем)

 

4) Это не чёрный. Ребят, честно.


Карл IX, Шарль-Максимильен (Франсуа Клуэ)

 

5) А вот это уже современная акварель — художник Елена Базанова, и процесс её работы. Сколько вам говорили «не писать от куска»? А где же зелёный в красном? А красный не ярковат? Он точно намешан, а не «из банки»?

Если без шуток, то вообще-то академисты (как раз те ребята, которые подарили нам систему академического образования) всегда писали локальными цветами, которые изменялись лишь тонально (светлее-темнее).

Просто несколько академических работ, чтобы напомнить, как они писали:

А вот идея «пятнистой» живописи, где в каждом цвете обязательно присутствуют все другие и всё на всё влияет, пришла к нам от импрессионистов.
Именно эти ребята впервые начали писать мазками, точками (пуантилисты), лихо размахивать шпателем и вообще писать как угодно, чтобы быстро запечатлеть момент.

 

 

Сравните природу Шишкина (реализм) и Клода Моне (импрессионизм):

Ваши учителя наверняка уважают Шишкина, но если вы попытаетесь писать так же, как он, вам скажут примерно следующее: «Что ты всё травяной краской покрасил? Найди там красненький, фиолетовый, голубой! Посмотри — это же не совсем зелёный, он немного и синий, и оранжевый!».

Но дело в том, что это другое направление. Импрессионизм — это не академизм, а скорее то, что выступало против него.

Многие века до этого художники писали прозрачно, гладко, используя один локальный цвет с его тоновой градацией (темнее-светлее), и не пытались увидеть в красном зелёный.
Но именно импрессионисты уделили внимание влияниям предметов друг на друга (рефлексам), тепло-холодности, живости письма, вывели дополнительные цвета (что и привело в дальнейшем к отказу от чёрного — его просто делали из других красок), именно они начали писать пастозно. А ещё ходить на пленэры, так как наконец изобрели краски в тюбиках (ну, по крайней мере так говорят :).
Но — и это минус — при этом у них упал уровень рисунка, само рисование стало слабее.

Импрессионизм появился во Франции с начале XX-го века, но эта закономерность сохраняется и по сей день! И по сути, в Академиях на живописи нам преподают не академизм, а, сюрприз, скорее импрессионизм.
Ну или ещё точнее — импрессионизм с лёгкой базой академизма.

Конечно, сейчас мы знаем гораздо больше о цвете, перспективе, создании объёма и имитации текстур и фактур, появились новые инструменты, упрощающие жизнь, как 3D и Фотошоп. В результате современные художники в целом рисуют более грамотно и точно, чем наши предки. И конечно, можно пробовать разные стили и техники и выбирать то, что нравится. Импрессионизм — это не плохо. Их манера действительно обладает рядом плюсов вроде живости цвета, и они сделали важные открытия в виде дополнительных цветов и теплохолодности, которые сейчас обязан знать каждый художник.

Но при этом всё-таки нужно понимать, что происходит и что откуда пришло.
Проблема в том, что, по-моему, учителя вообще не понимают, чему они учат. Что откуда пошло и зачем. И ученики, как следствие, не понимают, чему учат их.

Попробуйте спросить у своего преподавателя, почему нельзя использовать чёрный, если почти все известные старые художники его использовали. Скорей всего, он ответит что-то неубедительное.
Лично нам отвечали что-то вроде: «Ну они — это же они, а вы — не они».

Я не знаю, в чём причина, но думаю, что одна из проблем заключается в том, что импрессионизм принёс что-то, что так и не уложили в систему образования должным образом. Академизм подарил нам не только жёсткие догматы, но и систему, по которой мы идём до сих пор! Но пришли импрессионисты и подарили нам не менее важные вещи: экспрессию, теплохолодность, дополнительные цвета. И теперь мы вроде как продолжаем учиться по академическим догмам, но рисуем при этом уже вообще в другой манере (импрессионизм). После академистов никто так и не создал систему (глобально). В результате системы рисования по сути нет, и мы просто бесцельно мажем по листу.
Во многих случаях перед началом постановки ученикам даже не озвучивают задачу(!), и где-то к середине работы вдруг выясняется, что она должна была быть стилизованной или наоборот.
И вот это очень плохо.

 

А что там про салон и аниме?

Парижский салон — был одной из самых престижных художественных выставок Франции. Её регулярно организовывала парижская Академия изящных искусств.

Если говорить о современности, то современная коммерческая иллюстрация (арты, промо-арты к играм, казуальный стиль) тяготеет, в моём понимании, больше к академизму, чем к импрессионизму.
Всё-таки академ более «салонный», понятный людям, коммерческий.

Вот, сравните: Академизм — Импрессионизм — Современная иллюстрация

При чём именно к академизму, а не к реализму (как направлению), поскольку первый воспевал каноны красоты и только (художников-академистов в будущем обвиняли в том, что они рисуют «пустые красивые работы»), а вот реализм уже передавал боль, безысходность, драматизм и психологизм, настоящую жизнь без прикрас.
(То есть то, как мы используем сейчас слово «реализм», не совсем верно с точки зрения истории искусств. Если говорить о направлениях, то слово «реализм» подразумевало «реалистичное изображение повседневной жизни», а не реалистичное изображение предметов. Академизм тоже передаёт предметы реалистично, но изображает идеальный мир с красивыми богами, прекрасными богинями, вкусными круглыми виноградами и всем прочим :)).

Академ в разных своих проявлениях живёт и продолжает жить, поскольку «просто красивая картинка» нравится людям больше в силу своей понятности и… красивости.

И как раньше нужно было попадать в определённый стиль и жанр, чтобы попасть в Салон или галерею, так и теперь нужно попадать в определённый стиль (как мы увидели — по своей сути всё тот же), чтобы быть популярным и продавать свои работы в интернете или устроиться в студию :)

Сейчас картины, когда-то висевшие в Салоне, висят в музеях и все ими восхищаются. А в те временя Салон обвиняли в поверхностности и «пустой глянцевой картинке»: сплошь красивые, идеализированные голые тётки, а где смысл, где душа? (ничего не напоминает?).
Само выражение «салонная живопись» стало потом нарицательным, так обзывают картины-«пустые красивые обёртки».

И вот скажите теперь, настоящее это искусство или нет?

Так что современные «красивенькие» аккуратные аниме-арты — это в общем-то и есть современная «салонная живопись». Популярная, красивая, нравится людям, пользуется коммерческим успехом, но часто критикуется за отсутствие смысла и души.

 

Надеюсь, было интересно и полезно!

 

0 0 голоса
Рейтинг статьи
Подписаться
Уведомить о
guest

0 комментариев
Межтекстовые Отзывы
Посмотреть все комментарии